Sono stati cinque anni di grande successo per le sale da concerto, con grandi debutti da Amburgo a Shanghai e nuovi immensi progetti annunciati a Ginevra, Londra e in Russia. La lista dei luminari dell’architettura coinvolti è lunga e comprende Herzog & de Meuron, Diller Scofidio + Renfro, Zaha Hadid Architects e Frank Gehry. Nonostante questa variegata lista di talenti, tutti questi progetti, sia costruiti che proposti, hanno un importante elemento in comune: sono tutti padiglioni in stile vigneto.
In un tempo relativamente breve, la vineyard hall – o surround hall – ha guadagnato il completo dominio nel campo stagnante della progettazione di sale da concerto. Il ground zero è stato nel 2003 a Los Angeles, con il successo travolgente della Walt Disney Concert Hall di Gehry che ha spinto la ditta giapponese Nagata Acoustics verso il suo attuale status monopolistico. Con l’eccezione della Philharmonie de Paris degli Ateliers Jean Nouvel, che ha lavorato con la ditta Marshall Day, ogni grande sala da concerto costruita nell’ultimo decennio e mezzo presenta l’acustica di Nagata, compresa la Elbphilharmonie di Amburgo (2017), il Kauffman Center di Kansas City (2011) e la Danish Radio Concert Hall di Copenhagen (2009).
La stessa retorica è invariabilmente impiegata nel descrivere le esperienze auditive di queste sale, ponendo l’accento sull’intimità visiva e sonora con l’orchestra, e un piacevole mix di suono diretto e riverberato. Ogni generazione di progettazione di sale da concerto ha avuto un diverso ideale acustico, e quello della nostra generazione è di omogeneizzare l’esperienza concertistica rendendo ogni posto a sedere decente.
Il musicologo Mark Pottinger attribuisce questo sviluppo alla nostra ossessione di rendere le sale da concerto più simili alle registrazioni. “La sala da concerto di oggi, acusticamente migliorata e dotata di tecnologia, non è più uno spazio per suoni pieni di umanità”, scrive, notando le imperfezioni auditive prodotte da dita callose e piedi che si muovono, “ma piuttosto un tempio dedicato alla feticizzazione di un suono ‘puro’ non umano per il consumatore individualizzato, che il più delle volte sente la musica come un’attività auto-diretta e non come un’esperienza comune condivisa”.
Questa idea di un tempio feticizzato ha senso se si considera la cultura architettonica attuale. L’unica forma a terrazze della sala del vigneto serve convenientemente come pretesto per la più atletica, costosa e Instagrammabile starchitettura. Tutto questo spettacolare branding della forma mette pressione su quelli che sono progetti finanziariamente rischiosi, spesso finanziati pubblicamente. Devono assicurarsi il più alto ritorno sull’investimento, il che è difficile da fare quando ci sono brutte poltrone.
Questo imperativo tecnocratico di fornire un prodotto standardizzato – l’esperienza di ascoltare musica – è incredibilmente in contrasto con lo spirito che permea le sale originali in stile vigneto. Il tipo fu sviluppato per la prima volta nei primi anni ’60 con il progetto della Philharmonie di Berlino dall’architetto Hans Scharoun e dall’acustico Lothar Cremer. Il loro concetto sperimentale, nota Scharoun, mirava ad eliminare “la segregazione tra ‘produttori’ e ‘consumatori'” di musica per formare “una comunità di ascoltatori raggruppati intorno all’orchestra nella più naturale delle disposizioni dei posti a sedere”. Secondo lo storico Michael Forsyth nel suo libro Buildings for Music, il concetto di “uguaglianza” in realtà ha preceduto Berlino, con la proliferazione di piani in stile anfiteatro, o a forma di ventaglio, all’inizio e alla metà del XX secolo, che davano a tutti una chiara visione dell’orchestra. Ma a differenza del ventaglio, il vigneto “dà a tutti all’interno [di ogni terrazza o] gradinata un ‘posto’ identificabile, senza che siano socialmente classificati come nel teatro barocco. Crea, per così dire, l”individuo all’interno di una democrazia’”. In effetti, le differenze tra i livelli sono ciò che rende l’esperienza del concerto alla Philharmonie di Berlino così speciale. L’obiettivo non era quello di avere lo stesso suono ogni volta e in ogni luogo, ma di offrire un’esperienza molto diversa a seconda di dove ci si siede e anche di assicurare la vicinanza all’orchestra.