“Io chiamo l’architettura musica congelata”, disse Johann Wolfgang von Goethe. C’è una parentela numerica fondamentale che lega le due arti e rende possibili parallelismi intuitivamente e razionalmente motivati tra loro. La proporzione e la bellezza sono manifestazioni di armoniose relazioni matematiche e, come sistema chiuso, anche un edificio dovrebbe essere considerato un’entità matematica. La natura dei numeri è stata analizzata secoli fa da Pitagora, che identificò le dimensioni geometriche, aritmetiche e armoniche della scala musicale, così come le consonanze perfette della musica, che sono rapporti matematici: l’ottava (1:2), la quinta perfetta (2:3), e la quarta perfetta (3:4). L’equivalente in geometria è la sezione aurea. Quando si tratta di suono, entriamo nel territorio dell’acustica architettonica. Possiamo anche dire che “sentiamo” l’architettura, poiché le persone prive di vista potrebbero navigare in un edificio percependo l’eco che rimbalza sulle superfici interne. In termini acustici, ci sono spazi “vivi”, che possiedono superfici altamente riflettenti come marmo, mosaico o piastrelle di ceramica, e spazi “morti” con superfici fonoassorbenti (tendaggi pesanti, mobili imbottiti e moquette).
Il tempo di riverbero può essere zero in camere chiamate anecoiche, dove si è sfidati a sperimentare un silenzio completo con il battito del proprio cuore come unica cosa da sentire. In una tale camera i ciechi non sarebbero in grado di navigare.
Quando le sale da concerto cominciarono ad evolversi come entità architettoniche indipendenti nel XVIII secolo, si pose la sfida di come lo spazio sarebbe stato progettato per riflettere il suono in modo desiderabile. La superficie che riflette il suono deve essere circa tre volte più grande della lunghezza d’onda del suono.
L’estinzione del mecenatismo musicale che racchiudeva la musica composta nel salotto e l’emergere di eventi musicali pubblici, che si svolgevano in sale da concerto pubbliche che ospitavano un grande pubblico, creò la necessità di una scienza specifica per affrontare il design acustico. La crescita del pubblico richiedeva sale più grandi, l’orchestra cresceva nel periodo del Romanticismo e sale più grandi significavano tempi di riverbero più lunghi.
Questo determinò una strumentazione più varia e fu introdotta la categoria del colore del tono. Il colore del tono, che è il suono specifico prodotto da uno strumento o da una categoria di strumenti, divenne uno strumento primario di composizione. L’arte dell’orchestrazione significava in questo particolare contesto la combinazione precisa di diversi strumenti per creare effetti specifici all’interno del locale. Il colore dei toni è particolarmente dipendente dall’acustica riverberante della sala da concerto. Così l’architettura delle sale da concerto è stata stabilita come un campo separato, dove al design acustico è stata data una grande precedenza alla pari con i requisiti di spazio per un pubblico più grande.
Il tempo di riverbero è direttamente proporzionale al volume racchiuso da una stanza e inversamente proporzionale alla capacità della stanza di assorbire il suono. I teatri antichi non avevano problemi di tempo di riverbero perché consistevano in anelli semicircolari aperti al cielo e quindi il suono veniva riflesso direttamente sul cerchio dell’orchestra. Nelle chiese medievali, le superfici a mosaico fornivano l’acustica desiderata per cantare i canti. Nel periodo rinascimentale, le sale da camera all’interno delle residenze erano destinate ad ospitare spettacoli di musica profana.
Il XVIII secolo diede vita alla moderna sala da concerto. All’inizio del XIX secolo emersero le prime grandi orchestre sinfoniche. Nel frattempo, i teatri d’opera si espansero in dimensioni durante il 19° secolo. Sia l’armonia architettonica che quella musicale dovevano essere osservate come pure proporzioni matematiche e ingegneristiche.
Disarmonia architettonica: Frank Gehry e la Disney Concert Hall
Il decostruttivismo è una tendenza postmodernista caratterizzata dalla spinta alla sperimentazione tra gli architetti per “decostruire” le convenzioni della tradizionale estetica classica basata su simmetria, equilibrio e armonia. Il funzionalismo modernista dello stile internazionale era considerato un’eredità classicista e il Decostruttivismo si sforza di sfidarlo, ispirandosi alle idee filosofiche di Jacques Derrida (1930-2004), che propagandava che ogni cosa acquisisce il suo significato e la sua funzionalità a seconda del contesto circostante. Questo vale anche per gli edifici iconici decostruttivisti che abbiamo in mente – per esempio la Walt Disney Concert Hall di Los Angeles.